Galerie13jm

SLICK ART FAIR AND SHOW AT THE GALLERY

2011-10-06T04:00:00.000-07:00

LA GALERIE 13 JEANNETTE MARIANI

a le plaisir de vous inviter à

SLICK ART FAIR >

ARTISTS > Gillles Cenazandotti - Gavin Benjamin - Pepe Lopez - Sabrina Montiel Soto -

- Anne Brunet - ESPIRA - U235 - Koharutie -

STAND / BOOTH H3

TONIGHT AT THE GALLERY >

Anne Brunet & Guillaume Josué

Tout Doit Disparaître.

>>> Exposition du 7 Octobre au 5 Novembre 2011 <<<

>>> Vernissage Jeudi 6 Octobre de 18h00 à 21h00 <<<

Tout Doit Disparaître, 2011, triptyque 200 x ( 3 x 100 ) cm, acrylique, gouache, huile et feuilles d'or sur toile.

Anne Brunet & Guillaume Josué

La conso(u)mmation des signes.

« La révolution est partout où s'instaure un échange qui brise la finalité des modèles, la médiation du code et le cycle consécutif de la valeur. Car le secret d'une parole sociale, d'une révolution, c'est cette volatilisation rigoureuse de toute instance sociale transcendante. (…) La révolution est symbolique ou elle n'est pas. »
Jean Baudrillard

A l'heure où sonne le glas de nos sociétés vouées à la production et à la consommation de masse (où les menaces écologiques nous forcent à revoir à la baisse nos rêves d'abondances), il n'est plus seulement nécessaire de changer nos habitudes de consommation, mais il est aussi devenu vital de renverser le système de si gnes qui sert, à cette économie, de support. Car s'il est facile de voir que les déchets matériels s'accumulent de manière exponentielle sur toute la surface de la planète, il est tout aussi important de comprendre que l'univers des signes publicitaires qui nous entourent, et qui chaque jour nous abreuvent de leurs slogans, ne cesse pas, lui-aussi, de produire des quantités toujours plus grande de déchets symboliques. La publicité, c'est la décharge des signes, la sédimentation progressive de leur sens : la mise sous tutelle de leur valeur.

Or, face une telle montée des eaux de la propagande (face à une telle paralysie des signifiants flottants), Anne Brunet & Guillaume Josué font figure de guérilléros. Déconstruisant avec un humour non dénué de poésie les mécanismes sur lesquels reposent d'ordinaire le marketing publicitaire (surcodant une image par un slogan, un symbole par une finalité commerciale), ils redonnent à leur spectateur la possibilité d'associer librement une image à un texte, un symbole à son sens et, plus profondément peut-être, un signifié (un concept) à un signifiant (une forme). Mais plutôt que de nous contenter de décrire abstraitement la mécanique sur laquelle repose leurs oeuvres, tentons d'en prendre une au hasard, et d'en comprendre le fonctionnement.

Dans une oeuvre comme « Faire du ciel le plus bel endroit de la terre », que se passe-t-il exactement ? Pour le savoir, il nous faut d'abord remarquer que ce titre n'est autre que le slogan d'une publicité d'Air France. Autrement dit, avant d'être une phrase quelque peu poétique (et qui n'est pas sans rappeler la description du paradis pour les chrétiens), le spectateur moyen ne pourra s'empêcher d'avoir en tête qu'on cherche à lui vendre quelque chose. Puis, levant les yeux sur l'image elle-même, il esquissera peut-être, alors, un sourire en voyant à la place de l'avion luxueux qu'il s'attendait à voir, l'image d'Astro (le petit robot), portant sur ses épaules Kiki (l'ami des tout petits) et Patrick (la gentille étoile de mer, amie de Bob l'éponge) volant en compagnie d'un dragon ailée (symbole de l'Asie – patrie d'Astro).

Autrement dit, Anne Brunet et Guillaume Josué ne se sont pas seulem ent amusés à reprendre un slogan pour lui donner une illustration « décalée » mais -- réunissant plusieurs codes sémiotiques en un seul espace imaginaire, ils ont su faire des super-héros de leur enfance les figures d'une nouvelle mythologie dont l'ambition (et la portée critique) n'est autre que de pouvoir donner un sens nouveau à ce qui, jusqu'à eux, n'était que la propriété d'une compagnie aérienne ou d'une société de production de manga.

1 Jean Baudrillard, L'anagramme, in L'échange symbolique et la mort, p. 294, Ed. Gallimard, 1976

Texte de Frédéric-Charles Baitinger.

Faire Du Ciel Le Plus Bel Endroit De La Terre, 2011, 160 x 100 cm, acrylique, gouache, huile sur toile.

The Consum(ma)/(p)tion of signs.

“The revolution is everywhere an exchange crops up that shatters the finality of the models, the mediation of the code and the consecutive cycle of value. For the secret of a social parole, of a revolution, is also the anagrammatic dispersal of the instance of power, the rigorous volatilization of every transcendent social instance. (...) The revolution is symbolic or it is not a revolution at all.”

Jean Baudrillard

Now that the death knell has sounded for our societies that are dedicated to production and mass consumption (where ecological threats force us to rethink the basis of our dreams of abundance), it is no longer only necessary to change our consumption habits, but it has also become vital to overthrow the system of signs that supports this economy. For, if it is so easy to see that waste material accumulates so rampantly over the entire surface of our planet, it is also important to understand that the world of advertising signs that surrounds us, each day feeding us their slogans, without end, produces ever-growing quantities of symbolic waste. Advertising is the discharge of signs, the progressive sedimentation of their meaning: the guardian of their value.

However, facing the rising waters of propaganda (full of paralyzed floating signifiers), Anne Brunet and Guillaume Josué are true guerrillas. Deconstructing, with humor not devoid of poetry, the mechanisms underlying the usual market advertising (overcoding an image with a slogan, a symbol brought to its commercialized demise), these artists give back to their viewer the possibility to freely associate an image with a text, a symbol to its meaning, and, perhaps most profoundly, a signified (a concept) to a signifier (a form). Though, rather than simply contenting ourselves through abstractly describing the mechanism underlying their work, let’s try to look at one piece at random, and understand how it functions.

In a work such as “Faire du ciel le plus bel endroit de la terre” (“Making the sky the best place on earth”), what is happening exactly? To find out, we must first remark that the title is none other than an advertising slogan for Air France. In other words, before being read as a somewhat poetic phrase (which is not unlike the description of the Christian “paradise”), the average viewer cannot help but have in mind that we are trying to sell her something. Then, raising her eyes to the image itself, the viewer would perhaps begin to smile in seeing that instead of the luxurious airplane she expects to see, is the image of Astro Boy (the little robot), carrying on his shoulders Kiki the Monkey, and Patrick (the gentle starfish, and best friend of SpongeBob SquarePants) flying in the company of a winged dragon (a symbol of Asia, home to Astro Boy).

In other words, Anne Brunet and Guillaume Josué are not only having fun by appropriating a slogan and giving it an “offset” illustration, but—uniting several semiotic codes in a single imaginary space—they are able to make the superheroes of their childhoods the figures of a new mythology whose ambition (and critical range) is precisely for giving a new meaning to that which, to them, was solely the property of an airline or a Manga production company.

Frédéric-Charles Baitinger / Translation Cassandra Katsiaficas

Anne Brunet & Guillaume Josué

Tout Doit Disparaître.

>>> Exposition du 7 Octobre au 5 Novembre 2011 <<<

>>> Vernissage Jeudi 6 Octobre de 18h00 à 21h00 <<<

Métro Concorde, sortie Cambon. Parking : 38, rue du Mont Thabor 75001 PARIS.

CARMEN RAMIREZ - Corps Dédoublés -

2011-07-12T11:18:00.000-07:00

LA GALERIE 13 JEANNETTE MARIANI

présente

PASSAGE DE RETZ >>

NOT FOR SALE

Jacqueline Frydman, directrice du Passage de Retz,

invite les galeries parisiennes à lui prêter l'oeuvre

dont elles ne voudraient jamais se séparer.

Venez découvrir l'oeuvre que chaque galeriste a choisi... de ne pas vendre...

Exposition du 13 Juillet au 18 Septembre 2011.

PASSAGE DE RETZ

9 Rue Charlot

75003 Paris

A LA GALERIE >>

>> Exposition jusqu'au 17 Septembre 2011 <<

CARMEN RAMIREZ
Corps Dédoublés.

Une proposition de Patricia Avena Navarro.

Vues de l'exposition.

EDITIONS : e-boutik >

La Galerie sera fermée du Samedi 23 Juillet au Mardi 23 Août 2011.

Métro Concorde, sortie Cambon. Parking : 38, rue du Mont Thabor 75001 PARIS.

2011-05-04T14:35:00.000-07:00

LA GALERIE 13 JEANNETTE MARIANI

présente

KOHARUTIE

L'ENFANT DU PRINTEMPS.

Exposition du 27 Mai au 2 Juillet 2011
Vernissage Jeudi 26 Mai de 18h00 à 21h00

LOLYTULIP - Aquarelle sur papier, 21 x 30 cm, 2004.

KOHARUTIE

né en 1977

vit et travaille à Hiroshima.

Explorant l’envers émotionnel des illustrations pour enfant, Koharutie transgresse les codes d’un genre pour en inventer un nouveau : l’Émo-Pop Art, ou l’art de donner forme à ses angoisses à partir d’images faites pour exprimer de tout autres sentiments. Mêlant la naïveté la plus féconde à l’introspection la plus sévère, les oeuvres ainsi créées reflètent les paradoxes de notre époque.

Koharutie (en français, « l’enfant du printemps ») cherche à faire de ses blessures d’enfant, le point de départ de sa renaissance.

NOTHING - Aquarelle sur papier, 61 x 46 cm, 2011.

FLORAL EXPECTING - Aquarelle sur papier, 61 x 46 cm, 2011.

KOHARUTIE

L'innocence meurtrie.

« O chers enfants des hommes,
dans quelque île, dans quelque lieu que vous habitiez,
et quelque nom que vous portiez, remarquez ceci.
Le Dieu du ciel et de la terre qui soutient notre corps et notre âme

nous appelle tous dans un seul amour. »

Jacob Boehme

Le propre de l’enfance est d’être à l’image de la passion. Autrement dit, de vivre chaque instant de l’existence comme s’il pouvait être le dernier. C’est pourquoi, les enfants ne vivent pas exactement dans le même monde que celui des adultes, mais dans un espace érotique où le rêve se mêle à la réalité sans pour autant que ces deux termes soient clairement dissociés. Voilà, sans doute, la raison pour laquelle les dessins de Koharutie ne nous présentent pas seulement l’image d’une petite fille au coeur meurtri, mais bien aussi, le combat de l’innocence luttant contre les cauchemars dans lesquels s’enfonce – chaque jour un peu plus - la vie des adultes.

«Si j’utilise mes émotions et la force de la vie comme de la terre et des graines que j’arrose, alors, sur le papier, fleurira naturellement ce qui doit fleurir. Naîtra ce qui voudra naître. »

Plongeant son pinceau dans les mille et une couleur de son émotivité, chaque oeuvre de Koharutie est d’abord et avant tout le fruit d’une âme ayant choisi de ne pas renoncer à sa vérité intérieure. Se servant du dessin comme d’un instrument lui permettant de se connaître lui-même, les métamorphoses des figures enfantines qui hantent son univers sont comme autant d’images nous révélant les multiples drames que traverse le coeur de cet artiste poète.

« Pour moi qui regarde, si les enfants sont tristes, moi aussi, je suis triste, si les enfants souffrent, moi aussi, je souffre. Les enfants se projettent en moi et me voilà redevenu comme un enfant.»

Le visage tantôt couronné d’un poisson chat, tantôt transpercé par une tête de mort, quels que soient les évènements qui affectent ces figures de l’âge tendre, une chose demeure à peu près constante : quel que soit le degré de souffrance qui les oppresse, quelle que soit la violence des visions qui les emprisonnent, c‘est toujours à notre part d’humanité la plus essentielle que ces enfants s’adressent, et que leur innocence tente de maintenir en éveil. Car, comme le dit si bien Jacob Boehme : « Les enfants sont nos maîtres d’école; avec notre sagacité, nous sommes des fous auprès d’eux.»

Frédéric-Charles Baitinger

KOHARUTIE

L'ENFANT DU PRINTEMPS.

Exposition du 27 Mai au 2 Juillet 2011
Vernissage Jeudi 26 Mai de 18h00 à 21h00

Métro Concorde, sortie Cambon. Parking : 38, rue du Mont Thabor 75001 PARIS.

NEWSLETTER - SPRING 2011 -

2011-04-11T11:15:00.000-07:00

LA GALERIE 13 JEANNETTE MARIANI

présente

PONTAL DE MACEIO

ANNE BRUNET

Nossa Senhora de Graça

Eglise de Pontal de Maceio.

NOSSA SENHORA DE GRAÇA, fresque et installation, Eglise de Pontal de Maceio, Brésil, 2011.

Installation offerte à l'Église de Pontal de Maceio, grâce aux activités de mécénat de La Vila Selvagem, hôtel contemporain, créé par Jean-Michel Chaufour et Célian Chaufour à Pontal de Maceio, dans l'Etat du Céara, participant à la promotion des artistes locaux et internationaux.

EDITIONS : e-boutik

Métro Concorde, sortie Cambon. Parking : 38, rue du Mont Thabor 75001 PARIS.

MILTON BECERRA > DRAWING NOW ART FAIR MARCH 2011

2011-03-28T01:20:00.000-07:00

PHOTOS : HAMILTON BECERRA

MILTON BECERRA > DRAWING NOW + GALLERY SOLO SHOW.

2011-03-22T16:22:00.000-07:00

LA GALERIE 13 JEANNETTE MARIANI

présente 2 évènements autour de l'artiste

MILTON BECERRA

AU CARROUSEL DU LOUVRE

DRAWING NOW PARIS l LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN

STAND A5

>>> Du 25 au 28 Mars 2011 <<<

Carrousel du Louvre, Paris

>>> Vernissage presse le Jeudi 24 Mars à partir de 14h <<<

>>> Vernissage public le Jeudi 24 Mars de 18h30 à 22h <<<

MASQUE - Série : Copiar Cortar. Graphite sur papier Canson , pièce unique,80 x 80 cm. 2004
© Milton Becerra -Galerie 13 Jeannette Mariani. Photo : Eva E. Davier

MASQUE - Détail - Série : Copiar Cortar. Graphite sur papier Canson , pièce unique,80 x 80 cm. 2004
© Milton Becerra -Galerie 13 Jeannette Mariani. Photo : Eva E. Davier

MILTON BECERRA

Per monstra ad astra ¹

« LE MASQUE EST LE CHAOS DEVENU CHAIR.

Il est présent devant moi comme un semblable et ce semblable,

qui me dévisage, a pris en lui la figure de ma propre mort :

par cette présence le chaos n'est plus la nature étrangère à l'homme,

mais l'homme lui-même animant de sa douleur et de sa joie ce qui détruit l'homme (…).»

Georges Bataille

Ressuscitant avec force les anciennes figures des dieux indiens peuplant les rives de l'Orénoque, au Vénézuela, les dessins de Milton Becerra ne sont pas, à proprement parler, de simples oeuvres d'art. Ou alors, il faudrait dire qu'elles ne le sont qu'à la condition d'être aussi des objets chargés d'une certaine force spirituelle – d'un certain mana. Car, à l'évidence, ce qui intéresse Becerra dans ces représentations de masques, ce n'est pas seulement de mettre en avant leurs qualités plastiques, mais de nous permettre, aussi, de reprendre contact avec cette « pensée sauvage » qui fascina tant Levi-Strauss, et qui, de nos jours encore, semble être en possession d'un secret que nos sociétés occidentales – au bord de la faillite écologique - auraient bien besoin de retrouver.

Soucieux de préserver l'intégrité de leur habitat et de vivre en conformité avec les esprits de la forêt – les shapiris - les peuples de la forêt Amazonienne célèbrent aujourd'hui encore, sous l'égide des chamanes, des rites en l'honneur des dieux-esprits. Or, qu'est-ce qu'un Dieu-esprit sinon cet étrange état dans lequel un homme – un initié – se couvrant le visage d'un masque, perd peu à peu son identité pour gagner celle de l'animal auquel il rend hommage. Dans un mouvement de dépossession allant de l'homme à l'animal, puis de l'animal à l'esprit qui est en lui, l'initié sort de sa condition pour reprendre contact avec des forces qui le dépassent et auxquelles il se soumet avec humilité.

Le masque n'est donc pas seulement un objet de culte pour celui qui le regarde – ou qui le porte – mais d'abord et avant tout un opérateur de transe : un tremplin capable de propulser l'esprit hors de ses limites tout en le rendant à même d'expérimenter, le temps d'un rituel au moins, son union avec le reste du cosmos. Voilà sans doute la raison pour laquelle les dessins Milton Becerra ne se laissent pas regarder sans susciter, dans l'esprit de celui qui les contemple, un certain effroi. Car du plus profond de leur silence, ils semblent nous inviter à couvrir notre visage de leur formes pour que nous puissions, à notre tour, expérimenter leur mana.

Frédéric-Charles Baitinger

(1) Par les monstres, jusqu'au étoiles...

A LA GALERIE

MILTON BECERRA

ALE'YA

Design Géométrique sur Peaux.

>>> Exposition du 26 Mars au 23 Avril 2011 <<<

>>> Vernissage le Samedi 26 Mars à partir de 14h <<<

ALE'YA, sculptures en peau. Photo : Hamilton Becerra.

BIO

Milton Becerra est né en 1951 au Vénézuela. Il vit et travaille à Paris.

La proposition conceptuelle de Milton Becerra évolue vers l’expérimentation de nouveaux langages et a été saluée entre autres lors de sa participation à la XIe Biennale internationale des jeunes artistes au Musée d’Art Moderne à Paris en 1980, La 41ème Biennale de Venise, et à Documenta 8 de Kassel.

En 2008, Milton Becerra a reçu le prix AICA (Association Internationale des Critiques d’Art).

Cet ancien élève de Rafael Soto et de Cruz Diez, avec lesquels il travailla entre 1974 et 1980, est probablement l'un des artistes plasticiens vénézuéliens majeurs de la scène artistique contemporaine, mais aussi l'un des plus prolifiques de sa génération.

Dans le langage très particulier de sa création, à forte résonance écologique et cosmogonique, l’œuvre de Becerra donne à la nature matière à s’exprimer. Il est connu pour ses installations aériennes où cordages et pierres s’entremêlent pour constituer de larges structures qui, jouant de la pesanteur, mettent en tension la complexité du tressage et l’essence brute des matériaux utilisés.

Milton Becerra propose dans ses œuvres un équilibre entre la civilisation contemporaine et les éléments les plus primitifs et ancestraux dans la culture humaine et l’histoire naturelle.

Les oeuvres de Milton Becerra sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées en France comme à l'étranger.

Milton Becerra vit à l’âge de pierre.
- Texte de Pierre Restany -

Milton BECERRA vit à l’âge de pierre, mais de la pierre cirée plus encore que polie. De la pierre en suspension, prise dans un réseau de fils de chanvre et de cordages tressé qui créent d’étranges chapelets aériens baroques et barbares. L’artiste vit au milieu d’une toile d’araignée dont les sécrétions pétrifiées constituent autant d’astéroïdes-fétiches. Son univers est celui d’un antre clos, une caverne dont la lucarne déboucherait sur une forêt vierge de l’Orénoque.

Le Venezuela a amplement projeté à l’extérieur l’image d’un art géométrique-cinétique qui s’accorderait bien avec le brutalisme de sa nouvelle architecture. Le jeu optique des couleurs sur le ciment, telle était l’image de la modernité du pays à l’apogée de l’ère du pétrole, la traduction de sa richesse industrielle sur le plan des arts plastiques. Milton Becerra appartient à une autre génération vénézuélienne, la nouvelle, celle qui a été beaucoup plus sensible aux contradictions qu’à la logique du système socio-culturel et qui doit affronter aujourd’hui le contexte d’une économie en crise.

Il représente aussi l’autre face de son pays, muette, cachée, immémoriale, celle qui se détourne des gratte-ciels de Caracas et des derricks de Maracaibo, celle qui exprime la réalité du grand fleuve et de la grande forêt, le prolongement de l’Amazonie. Une présence immense et sourde, oblitérée par la façade moderniste et trépidante de la côte atlantique : l’indien de l’Orénoque a appris à tourner le dos à la mer. C’est dans la clandestinité du silence qu’il perpétue sa légende, soeur de la légende amazonienne. Et c’est dans cet esprit du silence que s’élabore, jour après jour l’oeuvre de Milton Becerra. Une oeuvre mystérieuse et rituelle qui est le reflet d’une immense mémoire en voie de disparition et qui ne veut pas mourir. Une oeuvre hors du temps : l’artiste passe des heures et des heures à frotter ses pierres en les imprégnant de cire fondue, de façon à leur communiquer l’infinie douceur de la patine des anciens âges.

L’homme est fort, trapu, maître de soi. Tout est dans le regard profond, vif, d’une extrême acuité: quand il vous fixe, vous ressentez le sang froid de l’immensité verte qui coule dans les veines de Milton Becerra. C’est le sang originel et authentique de sa terre, celui qui continuera à couler au Venezuela une fois tari le brûlant filon d’or noir.

Face à la société de consommation et à son ciment armé Milton Becerra défend et illustre la continuité de l’âge de pierre, il y a là de la magie et de l’exorcisme certes, mais surtout de l’amour et de l’espoir. De l’espoir dans l’Homme.

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YAHEL CHIRINIAN > Sâdhu Pop / Vanitas Vanitatum.

2010-11-24T01:35:00.000-08:00

YAHEL CHIRINIAN > Sâdhu Pop / Vanitas Vanitatum.
Exposition du 19 Novembre au 31 Décembre 2010.

« Vanité des vanités, tout est vanité »

L’ecclésiaste

Tel l’oiseau dans le ciel ou le lys dans la vallée, la figure des Sâdhus, en Inde, se confond avec celle des saints et des apôtres en occident. Rebus de la terre et balayures du monde, les Sâdhus ne vivent que pour s’émanciper de l’enveloppe terrestre qui les enchaîne au cycle de leurs réincarnations. Mais cette vie, en marge des hommes et de leur société n’est-elle pas, elle aussi, une forme de vanité ? C’est là, peut-être, la question de fond que cherche à poser Yahel Chirinian dans sa série de crânes aux miroirs brisés.

Reprenant à son compte les images de la renaissance stigmatisant les plaisirs de la chair et la précarité des biens de ce monde, Yahel Chirinian réinvestit cet ancien « topos » iconographique tout en parvenant à en subvertir le sens. Confrontant l’image réelle des Sâdhus à l’image symbolique de la mort – un crâne – ses œuvres tissent un lien étrange entre la philosophie de ces anachorètes des limbes et l’idée que nous autres, occidentaux, nous nous faisons de la vie terrestre et des buts que nous donnons à l’existence.

A mi chemin entre un objet de culte (un ex-voto) et un objet décoratif (uns sculpture), ces œuvres portent en elles les stigmates de leur époque : Serait-ce les reflets de nos illusions qui sur ces crânes dansent, ou bien la cohérence et la force de nos croyances qui tout à coup se craquèle en une myriade de miroirs ? Sans pour autant apporter une réponse catégorique à ces questions, il semblerait que Yahel Chirinian ait voulu nous suggérer que la vanité n’est ni dans le monde, ni hors du monde, mais dans la qualité de l’esprit de celui qui le contemple. Vanité des vanités ! Tout est vanité ! – hormis, peut-être, pour celui qui sait redonner au monde ce qu’il a su en recevoir.

Frédéric-Charles Baitinger

YAHEL CHIRINIAN > Sâdhu Pop / Vanitas Vanitatum.
Exposition du 19 Novembre au 31 Décembre 2010.

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ANNE BRUNET AU PRINTEMPS HAUSSMANN

2010-11-06T16:06:00.000-07:00

ANNE BRUNET

AU PRINTEMPS HAUSSMANN

Noël 2010.

EXPOSITION

>>> Du 8 Novembre au 31 Décembre 2010 <<<

>>> Ouverture des vitrines Boulevard Haussmann le 10 Novembre <<<

LA BOUTIQUE NOIRE

AU PRINTEMPS DE LA MAISON.

Pour fêter cet évènement, La Galerie 13 Jeannette Mariani édite un livre sur le travail de Anne Brunet, retraçant son parcours artistique à travers des textes, interviews et surtout beaucoup d'images, que vous trouverez en vente dans le corner dédié à la galerie, dans La Boutique Noire, au Printemps de la Maison, au 1er étage. Des éditions de t-shirts et divers objets des artistes de la galerie, sont aussi en vente dans cet espace.

Également à La Boutique Noire,

et en avant-première de son exposition à la galerie le 18 Novembre,

les Vanités Sâdhu Pop de Yahel Chirinian, font scintiller l'espace.

SADHU POP / VANITAS VANITATUM, Ciment, miroirs, pigments, pièce unique, H=30cm et H=40cm. 2010.

EXPOSITION AU

PRINTEMPS HAUSSMANN

>>> Du 8 Novembre au 31 Décembre 2010 <<<

>>> Ouverture des vitrines Boulevard Haussmann le 10 Novembre <<<

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ESPIRA - Regina - 7 Octobre > 6 Novembre 2010 - Paintings

2010-10-16T08:26:00.000-07:00

- All Things Move Towards Their End -
122 cm x 153 cm. Acrylique sur toile, 2010.

- Vitiligo Regina -
61 cm x 91 cm. Acrylique sur toile, 2010.

- Manko Regina -
71 cm x 101 cm. Acrylique sur toile, 2010.

ESPIRA

L'envers du cliché.

« Une action violente et ramassée est une similitude de lyrisme :

elle appelle des images surnaturelles, un sang d’images et un jet sanglant d’images

aussi bien dans la tête du poète que dans celle du spectateur. »

Antonin Artaud

A l’instar des images inventées par le psychiatre Rorschach, les œuvres d’Espira sont de véritables tests pour celui qui les contemple. Peuplées de femmes aux corps de nymphes et d’oiseaux aux ailes de viandes, le souffle de la guerre, du sexe et de la violence y plane sans pour autant remettre en cause la beauté plastique des formes qui les composent. Voilà pourquoi ses œuvres peuvent êtres comparées – dans leurs structures – à ce que Nietzsche dit de la tragédie Grecque : elles donnent à voir, sous la forme d’un rêve apollinien, le fond tourmenté de nos pulsions dionysiaques.

Que ce soit dans son œuvre Suffragette, ou bien encore dans cette autre, encore plus corrosive, intitulée Vitiligo Regina, Espira ne se contente pas de dépeindre sous forme allégorique les contradictions qui hantent notre temps – mais il invente de véritables paradoxes visuels dans lesquels l’identité des symboles qu’il interroge semble voler en éclats. L’extension du droit de vote aux femmes se superpose à l’image d’une amazone casquée couronnée d’un toupet sanglant ; la reine Victoria, supposé modèle de droiture et de moralité, se transforme en un double visage de soldats arborant la carte des colonies britanniques sur leurs peaux.

Aux clichés politiques qui voudraient faire de notre époque celle d’une parousie des droits de l’homme et de la démocratie, Espira oppose sa vision faite de vérités cachées et de contrastes violents. Mais c’est là, sans doute, ce qui fait de ses œuvres de véritables signes de contradiction - autrement dit, des œuvres dont le sens et la portée dépassent infiniment le contenu des images qui hantent l’univers édulcorée de nos sociétés de consommation.

Frédéric-Charles Baitinger

- Wroclaw -
122 cm x 153 cm. Acrylique sur toile, 2010.

- 1939 -
71 cm x 101 cm. Acrylique sur toile, 2010.

BIO
Espira est né en 1974, il vit et travaille à Londres. Elevé dans une famille très stricte de l'Eglise Mormone, dans la campagne britannique, il a été éduqué dès son plus jeune âge à devenir un missionnaire de la foi. Mais il tourna progressivement le dos à la religion pour devenir un artiste autodidacte et s'installe à Londres au début des années 1990.

La rencontre, au sein de son travail, entre son esthétique visionnaire et son iconographie transgressive plonge le spectateur dans un monde dangereux et apocalyptique. Son travail est considéré comme une attaque à l'humour noir et sauvage de la culture contemporaine.

Travaillant sur différents médias, Espira est largement reconnu pour ses qualités exceptionnelles en tant qu'artiste digital et en tant que peintre sur de grands formats.

Chaque pièce est une composition étonnante montrant une variété d'influences assez étendues : du quotidien à la mode, en passant par les costumes d'époque, la viande crue, les images de guerre et les rituels symboliques religieux.

Le travail d'Espira a été exposé à travers le monde dans des endroits aussi variés qu’insolites, allant de galeries d'art contemporain au légendaire club fétichiste de Londres Torture Garden.

Il vit et travaille à Londres et ses oeuvres sont régulièrement publiées dans des magazines de mode, des blogs artistiques, des magazines on-line, et des livres d'illustrations.

PEPE LOPEZ - OXYGONE PUNK & THE GOSSIP LINES SERIE -

2010-09-01T14:34:00.000-07:00

PEPE LOPEZ.
OXYGONE PUNK & THE GOSSIP LINES SERIE.
VERNISSAGE LE 2 SEPTEMBRE DE 18H00 À 21H00.
EXPOSITION DU 3 SEPTEMBRE AU 2 OCTOBRE 2010.

De la profondeur en sculpture par Frédéric-Charles Baitinger.

« L'histoire de l'art peut-être considérée comme la fabrication des passe partout destinés à forcer les mystérieuses serrures des sens, dont la nature seule détenait primordialement la clef. (…) Comme le cambrioleur de coffres-forts, l’artiste ne connaît pas les détails de la combinaison. Il procède à tâtons, par geste tactile, pour que le rouage cède. »

Ernest Gombrich

Les installations géométriques de Pepe Lopez ne sont ni des sculptures, ni des bas reliefs, ni moins encore de simples objets décoratifs. Jouant avec nos attentes perceptives comme d'autres pratiquent le mot d'esprit, ces œuvres hybrides nous invitent à plonger dans leur dédale anamorphique ; à nous laisser happer par le souffle qui les anime - nous forçant ainsi à ne plus considérer leurs formes comme des entités stables et définies, mais bien plutôt comme de purs puissances dynamiques capables d’agir directement sur notre esprit.

Ni tout à fait abstraites, ni vraiment figuratives, leurs structures semblent vouloir se perdre dans le miroitement des ombres qu'elles produisent. Entre l’œuvre et son reflet où devenons-nous faire porter notre attention ? Dans quel espace ; dans quel non-lieu haptique ? Et si, à travers ces constructions plastiques – mêlant science et poésie, Pepe Lopez ne cherchait pas seulement à fondre en une forme syncrétique le chaos et l’ordre – (le symbole et la nature) mais plus sobrement peut-être, à inventer une nouvelle approche visuelle de la profondeur en sculpture ?

A l’instar d’un Kurt Schwitters faisant de l’espace même de sa maison le lieu d’une expérience sculpturale totale, Pepe Lopez propulse ses constructions hors de leur schématisme; il les libère de l’espace structuré d’où provenaient leurs formes géométriques pour les rendre à la liberté poético-mathématique sans laquelle l’abstraction n’est qu’une forme vide – autrement dit, une forme qui n’interroge pas de l’intérieur notre rapport au visible en nous permettant de la voir autrement.

Frédéric-Charles Baitinger

ANNE BRUNET - DIALOGUE AVEC LES ANGES - SOLO SHOW - DU 6 MAI AU 12 JUIN 2010 -

2010-05-06T02:57:00.000-07:00

- DIALOGUE AVEC LES ANGES -
Peintures - Sculptures - Installations - Wallpapers

Extrait de l'article de Frédéric Lelièvre pour C Pour Les Hommes.
http://www.cpourleshommes.com/culture-musees-expositions/test-chronique-avis/anne-brunet-dialogue-avec-les-anges-a-la-galerie-13.html

Voilà une jeune artiste qui promet. Loin des arrogances intellectuelles, Anne Brunet ose avec une légèreté épatante s'amuser des genres pour construire un univers intemporel et très personnellement spirituel. Une dimension graphique fascinante où les angelots disputent à la mort le goût du noir. Surprenant, multiforme, et très séduisant !

À bien y regarder, Anne Brunet est un authentique auteur de conte. Pas ces niaises ritournelles où tout est rose et joyeux, mais les vrais contes, ceux qui ont traversé les siècles, souvent tailladés et censurés par le ressac des morales. Ces histoires éternelles où de petits héros pleins de candeurs croisent des ogres mangeurs d'enfants, des loups dévoreurs de mère-grand. Et la mort est toujours une invitée de marque pour ces vrais contes sans âges. C'est avec une fantaisie pleine de douceur, ainsi qu'une précision acérée, qu'Anne Brunet compose ses comptines graphiques, cruelles et élégantes, ludiques et, il faut le dire, charmantes. Follement éprise du noir – mais bien évidemment habillée d'éclatantes couleurs ! - l'artiste retravaille une vision bien particulière de la religion, de la mort, de l'au-delà. Sinistre tout cela ? Tout au contraire. Comme un jeu, elle niche dans chaque méandre de ses œuvres un soin hypnotique du détail avec une innocence enfantine, à la façon d'une fête des morts mexicaine.

D'où vient l'inspiration de cet autel surprenant où un crucifix de couleur apparaît dans la flamme vacillante d'une étoile, taillée dans le manteau de la cheminée qui la supporte ? D'où vient cette femme assise à sa coiffeuse, que l'on finit par discerner dans les déliés d'une tête de mort ? Ou cette silhouette guerrière de "Save me", grande gamine d'ombre portant fusil et nounours écarlate ? C'est toute la richesse de cette artiste qui assume avec malice sa totale liberté de style. Graphisme fort du tatouage, détail d'écailles et de volute d'estampes japonaises, romantisme gothique, tendresse ludique du manga : elle semble s'ingénier à trouver un trait d'union entre toutes ces expressions contemporaines. Et ne manque pas d'audace, à l'exemple de cette stupéfiante huile d'une tête de mort… noir sur noir. Loin d'être une bête provocation, c'est une astuce diabolique : intrigué on s'approche, pour découvrir alors dans les nuances de noir une foule de détails où tout sans cesse se recompose. Les arrêtes du nez s'avèrent être des ailes d'ange croisées, ailes qui révèlent elles-même d'autres détails…
On ne peut s'empêcher de décrypter des symboles imbriqués, leur donner une sens, pour découvrir qu'ils sont la pièce d'un autre puzzle graphique. Entre temps, la si menaçante tête de mort n'a plus rien d'intimidant ! Bien joué…

Une aisance empreinte de liberté qui permet à l'artiste de s'exprimer avec la même efficacité sur les supports les plus divers. À l'étage, les toiles côtoient des bustes blancs de chérubins habillés d'encre noire, une vraie réussite, ainsi que des poufs carrés, édités en petite série, à faire s'emballer les cinglés de l'aménagement intérieur… En sous-sol, passé le lapin vert géant - pas d'inquiétude, tout est normal… - vous découvrirez une longue table basse tout aussi réussie que les poufs, où il est conseillé de s'asseoir pour profiter des grandes fresques monochromes, peintes sur toile ou directement sur le mur. Lorsque la galerie devra décider du sort de ce mur, les débats risquent d'être douloureux… D'une élégance végétale et d'une étonnante gaieté, entre BD et graph', l'esthétique d'Anne Brunet s'accommode de toute évidence du trait le moins détaillé, faisant danser les jambes en bas résille sous les ronces, racontant un enlèvement romantique en un œil et trois jambes… Pas étonnant que les enfants apprécient cet univers !

Ultime support qu'on pourrait oublier tant il a sa place : les papiers peints, qui sont aussi signés de l'artiste ! Il ne fait aucun doute que l'inspiration étonnante et si féminine d'Anne Brunet, au-delà de son art, n'inspire tôt ou tard les dictateurs de style et du design. Espérons aussi que miss Brunet signe un jour les illustrations d'un vrai beau conte pour enfant ! Mais en attendant, ne manquez pas de la découvrir avec cette exposition, la première qui lui soit intégralement consacré. Vous pourrez ainsi vous vanter le moment venu…

Frédéric Lelièvre

- DIALOGUE AVEC LES ANGES -
Peintures - Sculptures - Installations - Wallpapers

OPEN YOUR EYES, H=36 cm. Dessin sur Plâtre, Pièce Unique, 2010, Photo : Eva Davier.

« La mort vaque à son œuvre dans la vie; elle ne va pas à l'aventure comme s'imagine le craintif (...).
Non; elle dit : je suis là; et si quelqu'un veut apprendre de moi, qu'il vienne. »
Søren Kierkegaard

A mi chemin entre paganisme et christianisme, les œuvres d’Anne Brunet ressemblent à des ex-voto ou des cadavéras. Célébrant la mort et la survie des âmes, l’art n’est plus ici au service des hommes, mais des anges : il ouvre entre le ciel et la terre un dialogue ; un monde d’images à partir duquel il devient possible d’entrer en communication avec l’au-delà. Et si la mort ne correspondait pas à la fin d’un processus vital, mais à la poursuite – sur un autre mode – de ce qui, dans la vie d’un homme est éternel ? Et si la mort, comme le voulait Socrate, ne signifiait pas la peine et le malheur, mais la libération du corps et la récompense du sage ?

Détournant l’iconographie catholique de son sérieux ordinaire, Anne Brunet nous invite à la célébration d’un culte dont la portée et la profondeur se mêle à la beauté des œuvres qui les supportent. Que ce soit dans sa série de dessins intitulée « Dieu », ou bien encore, dans son travail ornemental sur la figure des anges, un même silence religieux semble faire de ses œuvres de véritables effigies, autrement dit, des symboles vivants d’un « lointain proche », d’un « cristal de temps » capable de nous rendre présent ce qui n’est plus là. A la suite de Walter Benjamin et de ses réflexions sur l’aura, Anne Brunet ressuscite pour nous, le temps d’une exposition surérogatoire, la puissance auratique de l’art. Puisse la paix accompagner cette œuvre.
Frédéric-Charles Baitinger

LOVE ME / HATE ME, H=29 cm L=30 cm. Dessin sur Plâtre, Pièce Unique, 2010, Photo : Eva Davier.

" Dialogue Avec Les Anges est le regard d'une enfant de 28 ans, sur un monde effroyable et beau à la fois : le nôtre.
Rien n'est jamais noir ou blanc, le bien et le mal dansent ensemble dans nos têtes...
Mais dans un monde aussi brutal, peut-on encore croire aux anges, aux esprits, aux bonne âmes ? "

"... J'assume totalement d'avoir ce côté à la fois très enfantin, une espèce de naïveté onirique... et en même temps de cultiver une certaine violence... Mon style oscille toujours entre enfantin et sombre, l'un ne va pas sans l'autre. Le côté onirique se caractérise par des personnages qui semblent rêver, partir vers le haut. Soit ils sont complètement enracinés, et là, c'est foutu pour eux, soit ils planent..."

Sur son imagination débordante Anne Brunet dit : " Il y a un réel épanouissement à puiser dans l’imaginaire. Cet univers fantasmagorique me permet de prolonger un peu plus mon enfance. Dans l’imaginaire il n’y a pas de barrières, pas de limites pour explorer la nature, les rêves... c’est un monde en mutation permanente donc passionnant."

Pour son premier solo show à Paris, Anne Brunet se joue encore des barrières pour laisser libre cours à son dessin qui s'exprime cette fois-ci sur des sculptures, du mobilier, des wallpapers et des installations aussi émouvantes qu'étonnantes.

SAVE ME, 150 x 115 cm. Huile Sur Toile, 2010.

ANNE BRUNET
- DIALOGUE AVEC LES ANGES -
Peintures - Sculptures - Installations - Wallpapers

SOLO SHOW DU 6 MAI AU 12 JUIN 2010

Galerie 13 Jeannette Mariani

GILDO MEDINA - LE MIROIR DE DIONYSOS - Exposition du 19 Mars au 30 Avril 2010 -

2010-03-10T04:31:00.001-08:00

La Galerie 13 Jeannette Mariani
présente

GILDO MEDINA
>>> Le Miroir De Dionysos <<<

>>> Exposition du 19 Mars au 30 Avril 2010 <<<

>>> Vernissage le Jeudi 18 Mars de 18h00 à 21h00 <<<
>>> Performance de l'artiste lors du vernissage à 19h30 <<<

MUTATION / MUTILATION #1, Détail, 120 x 89 cm. Dessin sur tirage Fine Art Paper, Pièce Unique, 2010.

Gildo Medina - Le miroir de Dionysos -

« Le sang de l’Ouranos est tombé sur la terre, son sexe est tombé dans le Flot, Pontos,

et au cours d’un long temps, de l’écume qui est à la fois sperme et mousse marine,

émerge la gracieuse déesse qui préside à tous les sortilèges, à toutes les tromperies de la séduction. »

Jean-Pierre Vernant

Si, comme le veux Hésiode, dans sa Théogonie, la naissance d’Aphrodite est contemporaine de celle des Erinyes – déesses de la vengeance et du sang versé – c’est qu’Aphrodite, en introduisant l’amour dans le monde, n’a pas oublié d’y ajouter ces trois autres qualités. A savoir : le mensonge, la dissimulation, la haine. Reprenant à son compte ce mythe, Gildo Médina ne se contente pas d’en renouveler l’iconographie traditionnelle, mais il en redouble formellement la problématique en nous dévoilant les « étapes érotiques spontanées » qui mènent de la naissance de l’amour à la mort des amants.

Tout commence donc par la série de bustes intitulée Décomposition dans laquelle le corps d’une femme se voit nimbé d’une auréole de couleur. Mêlant le réel à l’imaginaire, - le cliché photographique à la liberté du peintre - Gildo Médina nous confronte ainsi plastiquement à la puissance fantasmatique de l’amour. Mais à ce premier mouvement de sublimation répond la série Mutation/Mutilation dans laquelle ce n’est plus le corps de l’aimée qui est représenté, mais bien le corps de l’amant : son corps souffrant et comme troué par endroits. Ce n’est plus ici la couleur qui prime et qui rend au corps son aura, mais le dessin qui vient se superposer à la forme pour en combler les manques. Au corps sublime de l’aimée répond le corps meurtri de l’amant.

Mais ce n’est qu’à travers sa troisième série, intitulée Nobody, que Gildo Médina nous livre l’inavouable secret qui gouverne la vie inconsciente des amants. Rejouant avec emphase la mort des couples les plus illustres de littérature occidentale – qu’on pense ici à Roméo et Juliette, à Tristan et Iseult ou bien encore à la Belle aux bois dormant – Gildo Médina leur a systématiquement raturé le visage – comme si, de cet aveuglement, pouvait naître une autre vision de l’amour – une vision dans laquelle ce n’est plus le miroir de Dionysos qui réfléchit l’image des amants – mais le miroir sans tain de leur connaissance intérieure.

Frédéric-Charles Baitinger

NOBODY #5, 2010, 100 x 150 cm. Tag sur tirage Fine Art Paper, Pièce Unique, 2010.

BIO

Né en 1980 à Mexico City, Gildo Medina a étudié les arts visuels, la photographie et le graphisme à la Saint-Martins School de Londres, à L'Accademia Delle'Arte de Florence, à l'Université Iberoamericana et à l'Academia de San Carlos à Mexico City.

Gildo Medina est représenté dans six pays différents et possède pas moins de 25 prix et récompenses.

Paris, Londres, Mexico, New York, Tokyo, Berlin, Hong Kong, Madrid … Ces métropoles cosmopolites d’Europe, d’Asie ou d’Amérique composent sa biosphère et sont la base de son inspiration.

La simplicité apparente du travail de Gildo Medina est le résultat d’une extrême sophistication. La fusion des techniques traditionnelles et de la technologie numérique font partie de sa signature. Son style unique provient de sa capacité à transposer et à intégrer dans le monde numérique sa maîtrise du dessin.

Dans sa nouvelle série « Le Miroir De Dionysos », Gildo Medina explore le vaste territoire qui sépare le dessin de la photographie, à travers des pièces uniques où l’artiste joue des paradoxes techniques et émotionnels d’un dessin qui se transforme en photographie ou d’une photographie qui se dessine à partir du vide.

A partir d’une photographie partiellement évidée, Gildo Medina nous fait entrer à travers le dessin, dans l’essence même de son combat intérieur et de ses mutilations affectives et créatives. Son travail est influencé par cette ambiguïté oppressante entre le monde de la beauté qu’il côtoie, en tant que photographe et directeur artistique, et la violence de notre monde, elle-même inspiratrice d’une autre forme de beauté.

MUTATION / MUTILATION #2, 2010, 150 x 115 cm. Dessin sur tirage Fine Art Paper, Pièce Unique, 2010.

DECOMPOSITION #3 ROSE, 2010, 72 x 120 cm. Dessin sur tirage Fine Art Paper, Pièce Unique, 2010

MUTATION / MUTILATION #4, Dessin sur tirage Fine Art Paper, Pièce Unique, 2010.

GILDO MEDINA
>>> Le Miroir De Dionysos <<<

>>> Exposition du 19 Mars au 30 Avril 2010 <<<

>>> Vernissage le Jeudi 18 Mars de 18h00 à 21h00 <<<
>>> Performance de l'artiste lors du vernissage à 19h30 <<<

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MEDIATOR - Falling From Grace At The Speed Of Light -

2009-11-15T00:59:00.000-08:00

LA GALERIE 13 JEANNETTE MARIANI

a le plaisir de vous présenter

MEDIATOR
«FALLING FROM GRACE AT THE SPEED OF LIGHT»

>>> Du 20 Novembre au 19 Décembre 2009 <<<
>>> Vernissage le jeudi 19 Novembre 18h00/21h00 <<<

I NEED LUNCH
- autoportrait - 1/3 - 2009 - 56x76 cm - giclée print on fine art paper -

Mediator

Séduire l’obscène.

« A force de voir des corps nus, nous ne pouvons plus voir la nudité comme évènement :
L’événement n’est désormais plus que cette hypervisibilité même (…). »
Méhdi Belhaj Kacem, Society

Redistribuant avec malice les pôles actif/passif habituellement constitutifs de la différence homme/femme,
Mediator nous invite à revenir sur l’idée – bien souvent naïve et simpliste – que nous nous faisons de nos identités sexuelles. Telle l’héroïne cannibale jouée par Béatrice Dalle dans le film Troubles everyday de Claire Denis,
son œuvre est une méditation visuelle sur le destin, ô combien versatile, de nos pulsions.

Entre Eros et Thanatos, Mediator a choisi de ne pas choisir ; ou plutôt, de souligner le rapport dialectique qui unifie ces deux notions. Que ce soit dans sa série « Bloody messy girls », ou bien encore de celle intitulée « My tears fall upon the scar across my throat », une même ambiguïté parcours ces images, faisant du corps de la femme un objet de fixation soumis à d’incessants retournements.

Tantôt fragile et renfermée, mais le plus souvent agressive et mutilée, l’image de la femme retrouve ici sa portée transgressive et par là même, la puissance érotique de son sexe. A l’instar des ménades dévorant, dans un accès de folie, le corps de leur amant, les œuvres de Médiator renouent avec les délires orgiaques des fidèles de Dionysos. Et si la pornographie était l’ennemi juré de l’érotisme ; et les catégories inconscientes qui définissent ses « genres », les derniers symptômes de nos désirs refoulés ?

par Frédéric-Charles Baitinger

ALL YOU WILL EVER BE
- 1/3 - 2009 - autoportrait - 56x76 cm - giclée print on fine art paper -

BIO

Né en 1977, Mediator est titulaire d’un double bachelor, l’un en philosophie et l’autre en cinéma.

Décadence, Désobéissance, Dogme, Démembrement, Démons, Discipline, Discorde, Danger, Déviance, Damnation, Débauche, Désinformation, Déicide, ...

« Ce sont nos obsessions personnelles qui définissent ce que nous sommes. »

Et ce ne sont que les D !!!

Passionnée de littérature, de cinéma ou encore de musique,
elle aime les oeuvres qui abordent la religion, la sexualité, les maladies mentales et le chaos ...

Son travail est précis, esthétique, réfléchi, et parfois presque obsessionnel.
Ses titres, acidulés ou humoristiques, sont pensés au millimètre et font partie intégrante de son oeuvre.

Internationale, elle vit entre Londres, New-York et Los-Angeles (Hell A, comme elle se plaît à dire).

MEDIATOR est une artiste photographe de la scène contemporaine Néo-Punk
marquant parfaitement son époque.

STICKY SWEET
- autoportrait - 1/3 - 2009 - 56x76 cm - giclée print on fine art paper -

ALL CATS ARE BLACK IN THE DARK
- autoportrait - 1/3 - 2009 - 51x57 cm - giclée print on fine art paper -

TAKE A SHOT
- 1/3 - 2009 - 76x51 cm - giclée print on fine art paper -

BEAVER PATROL
- autoportrait - 1/3 - 2009. 76x56 cm, giclée print on fine art paper -

VENA AMORIS
- autoportrait - 1/3 - 2009 - 76x56 cm - giclée print on fine art paper -

WOLF OF THE STEPPES
- 1/3 - 2009 - 56x76 cm - giclée print on fine art paper -

Thanks for cracking open my head.
Darius James, author of Negrophobia: An Urban Parable

Mediator is a UK based photographer working mainly in portraiture and photojournalism. The granddaughter of renowned Russian concert pianist Iso Elinson she grew up in an artistic family with a very strong feeling of being an outsider. With a background education in Photography she then went on to study a BA ( Hons ) in Cinema and Philosophy at University. Influenced by the stark visual imagery of Lisette Model, WeeGee and Robert Capa, the study of the history of photography left its mark on her visual memories. Having a life that has covered being a Model, musician, extreme blood and ritual performer, underground art and oddities collector, and also a Reverend for the cult Church of the Subgenius.

A « club kid « freak in the 90’s and beyond who was regularly to be found at a mixture of fetish, high fashion and queer clubs in cities from London to Paris, NYC, LA and beyond. Existing in various disguises and outfits at infamous clubs such as Torture Garden, Submission, Kashpoint, Golf Sale, Boombox, Ponystep, Mother Bar ( NYC ), The Cock ( London ), Miss Kitty’s Parlour ( LA ), Club Motherfucker ( NYC ), and also being one of the main faces of the infamous seminal London electroclash club Nag Nag Nag. Often photographed in clubs and at shows with those images and her own self portrait photographs appearing in a range of magazines such as Skin Two, Bizarre, Heavy Rock Sound, Boyz, Girls and Corpses, and Hip Hop Connection.

She also co-created S.E.C.T with the visual artist Espira. Using a system of stickers, leaflets, graffiti, gnostic ritual performances and general depravity, S.E.C.T was born out a passion for the absurd and a love of transgression
in all its forms.

MEDIATOR
«FALLING FROM GRACE AT THE SPEED OF LIGHT»

>>> Du 20 Novembre au 19 Décembre 2009 <<<
>>> Vernissage le jeudi 19 Novembre 18h00/21h00 <<<

Galerie 13 Jeannette Mariani
36 rue du Mont Thabor
75001 Paris
métro Concorde Sortie Cambon
parking 38 rue du Mont Thabor.

SABRINA MONTIEL-SOTO

2009-10-28T07:55:00.000-07:00

Sabrina Montiel-Soto

- Sculptures - Objets - Miniatures -

>>> Du 16 Octobre au 14 Novembre 2009 <<<

CLICK TO ENLARGE

Photos : Fabrice Croizé

Sabrina Montiel-Soto

- Sculptures - Objets - Miniatures -

>>> Du 16 Octobre au 14 Novembre 2009 <<<

SABRINA MONTIEL-SOTO

2009-10-01T04:32:00.000-07:00

La Galerie 13 Jeannette Mariani

a le plaisir de vous inviter à

l'exposition de l'artiste

Sabrina Montiel-Soto

- Sculptures - Objets - Miniatures -

>>> Du 16 Octobre au 14 Novembre 2009 <<<

Vernissage le Jeudi 15 Octobre de 18h00 à 21h00

Le Hasard - 2009 - plâtre, papier, fil plastique - 8x22x11 cm -

Et si la sculpture s’affranchissait de sa quête purement formelle
pour devenir aussi réfléchie et dialectique qu’un discours;
aussi précise et rigoureuse qu’un concept;
aussi grinçante et imagée qu’une fable ?

L'Attente - 2009 - plâtre, sachet de thé en tissu - 7x25x9 cm -

Voilà, en tout cas, le défi que semble s’être lancée l’artiste
Sabrina Montiel-Soto,
en abandonnant, le temps d’une exposition au moins,
sa pratique, quasi scientifique, de cinéaste multimédia.

La Vengeance - 2009 - épine, plastique - 2x3x3 cm -

Difficilement classables, ses sculptures ressemblent
au petit théâtre alchimique de Giulio Camillo
ou bien encore aux décors métaphysiques
des films d’animation de Jan ŠVankmajer.

Ni tout a fait abstraite, ni vraiment narrative,
chacune des œuvres de cette artiste « structuraliste »
nous plonge au cœur d’un monde où chaque élément
(une main, une oreille, une graine, un fil, une épine)
n’acquiert sa valeur et son sens qu’en fonction du rapport
qu’il entretient avec les autres.

Le Discours Qui Ne Me Plaît Pas - 2009 -
- plâtre, peau de lapin, plastique - 6x7,5x3 cm -

Dans l’œuvre L’Attente par exemple,
ce n’est ni la main, ni le sachet de thé,
mais l’interaction entre ces deux éléments
qu’il faut avant tout prendre en compte;
le processus de sédimentation qui unifie la main moulée
à l’extrémité du sachet de thé qui,
peu à peu, lui aussi, commence à être gagné
par la torpeur et la mort.

L’attente est ici saisie dans son processus interne
– montrée dans son avancée lente et irrémédiable :
quelque chose persiste,
en suspend, mais pour combien de temps encore ?

Voyage À Deux - 2009 - terre cuite, plâtre, bois - 37x26x9 cm -

Loin de toute effusion lénifiante,
Sabrina Montiel-Soto délivre la sculpture de son inertie romantique
pour en faire un langage capable d’exprimer
toute la complexité de nos états d’âme.

par Frédéric-Charles Baitinger

Le Conformiste - 2009 - bois, plastique - 3x12x1 cm -

Sabrina Montiel-Soto

- Sculptures - Objets - Miniatures -

>>> Du 16 Octobre au 14 Novembre 2009 <<<

Vernissage le Jeudi 15 Octobre de 18h00 à 21h00

http://calvacreation.mine.nu

Métro Concorde - sortie Cambon - Parking 34 rue du Mont Thabor -

la galerie sera fermée du 1er au 10 Octobre 2009
pour tout renseignement appeler le 0665508048
ou écrire à galerie13jm@orange.fr

ANNE BRUNET - Docks Art Fair - Lyon 2009 -

2009-09-19T21:18:00.000-07:00